Valokeilassa minä: Omakuvat ovat pitäneet taiteilijat miehitettyinä vuosisatojen ajan

Amrita Sher-Gilin omakuvat ovat merkittävä osa hänen lyhyen uransa aikana saavutettua melko taidokasta tuotantoa. Unkarilais-intialainen taidemaalari voitti Pariisin École des Beaux Artsissa, jossa hän opiskeli noin kolme vuotta, ensimmäisen palkinnon vuosittain järjestettävässä asetelma- ja muotokuvakilpailussa. Puhuessaan ajastaan ​​Ranskan pääkaupungissa hän kirjoitti artikkelissa vuonna 1937: ”Vuonna 1932 esitin ensimmäisen kuvani Grand Salonissa. Selityksenä niille harvoille, jotka eivät ehkä tiedä sen merkitystä, mainitsen, että Grand Salon vastaa British Royal Academya, mutta hieman suuremmassa ja taiteellisesti ylivoimaisessa mittakaavassa. Kuvani herättivät välittömästi merkittävien kriitikkojen huomion, jotka pitivät niistä voimakkuudestaan ​​ja tarmokkuudestaan.

Hänet valittiin myöhemmin Grand Salonin jäseneksi, mikä teki hänestä nuorimman ja ainoan aasialaisen henkilön, joka on saanut tämän tunnustuksen.

Sher-Gil, joka ei elänyt kauan artikkelin kirjoittamisen jälkeen, jätti yli 30 omakuvaa, joista useat ovat johtaneet maailmanlaajuisia intialaisen taiteen huutokauppoja. ”Pariisin boheemi elämäntyyli viritti Sher-Gilin halua maalata, mitä hän teki vakuuttavasti ja kypsällä tavalla, jota harvoin näkee 16-vuotiaalla. Hänen mielensä julmuus ja intohimoinen rakkaus kauneutta kohtaan ulottui hänen siveltimenvetoillaan kummittelevan kauniiksi ja voimakkaiksi omakuviksi sekä ystävien ja rakastajien muotokuviin tuolta ajalta”, sanoo Sonal Singh, Christie’s Intian toimitusjohtaja.

Yhdessä meksikolaisen nykyajan Frida Kahlon kanssa Sher-Giliä pidetään yhtenä suurimmista avantgarde-naistaiteilijoista, jotka harjoittivat ammattiaan 1900-luvun alussa. ”Noin samaan aikaan kuin Sher-Gil, Kahlo maalasi Meksikon tehokkaimpia omakuvia. Sher-Gilin ja Kahlon rinnakkaiset taiteelliset urat ja henkilökohtainen elämä ovat kummallisia. Heidän elämänkokemuksensa ja taiteellisen uransa kohtaavat runollisimmin ja muodostavat syvästi koskettavan tarinan, kukin vetämällä itselleen markkinaraon taidehistorian maailmaan traagisen lyhyen elämänsä aikana. Jokainen heistä maalaa pakkomielteisesti omakuvia lähes hypnoottisella intensiivisyydellä vetäen katsojan taiteilijan sisimpään psyykeen, jossa hän löytää melankolian ja traagisen runouden meren”, Singh sanoo.

Suurin osa Sher-Gilin teoksista hänen tuotantostaan ​​on nyt Delhin kansallisgallerian modernin taiteen kokoelmassa. Hänen omakuvansa ovat tärkeä osa tätä reilusti yli 172 teosta käsittävää kokoelmaa. ”Sher-Gilin lyhyen elämänsä aikana tekemät omakuvat ovat intiimejä ja erittäin henkilökohtaisia ​​tapoja osallistua hänen tuottelias käytäntöihinsä ja olla yhteydessä taiteilijaan”, sanoo Tunty Chauhan Delhin Gallery Thresholdista, joka äskettäin täytti 25 vuotta. omakuvia käsittelevä näyttely Reflecting the Self, jossa on 60 teosta 30 taiteilijalta.

Intiassa omakuvat eivät koskaan olleet suosituin ilmaisumuoto missään iässä. Intian taidehistoriassa on kuitenkin Sher-Gilin lisäksi monia esimerkkejä taiteilijoista, jotka ovat tutkineet tapoja pohtia itseään omakuvien avulla. Jopa Mughal-ateljeeilta voi kohdata omakuvia miniatyyreinä olevista taiteilijoista, jotka toisinaan esiintyivät teoksissa. Tätä käytäntöä ovat jatkaneet Sunanda Khajurian kaltaiset taiteilijat, joiden teoksissa on ainutlaatuinen laatu, sillä jokaisessa sävellyksessä naiset ovat keskeisinä hahmoina. Nämä ovat taiteilijan mukaan hänen omia omakuviaan – luonteeltaan abstrakteja. ”Naiset (työssäni) edustavat luonteeni eri puolia, ja heidän läsnäolonsa tuo taiteeseeni tutun ja kuulumisen tunnetta. Kuvaamalla erilaisia ​​henkilöitä voin tutkia ja viestiä oman identiteettini monimutkaisia ​​vivahteita. Jokainen maalaus toimii porttina tunteisiini, ajatuksiini ja kokemuksiini, jotka on kudottu näiden hahmojen elämään”, kertoo 44-vuotias taiteilija.

Joitakin merkittäviä intialaisia ​​taiteilijoita, jotka tunnetaan omakuvistaan, ovat MF Husain, FN Souza, Raja Ravi Varma, Rabindranath Tagore ja Manjit Bawa. ”On jotain paljon syvempää tavassa, jolla he havaitsevat ja ymmärtävät itsensä – sekä sisältä että ulkoa. Sisään katsominen on epämukavaa, on niin paljon helpompi maalata muotokuva kuin omakuva. Useat intialaiset taiteilijat ovat jatkuvasti maalanneet itseään. MF Husain, A Ramachandran ja V Ramesh tulevat heti mieleen, heidän omakuvansa ovat ajan merkkejä ja paljastavat näiden taiteilijoiden matkan”, sanoo Chauhan Gallery Thresholdista.

Lännessä omakuvauksen perinne on vakiintunut, ja monet taiteilijat ovat erinomaisia ​​itsensä esittämisessä. ”Vaikka omakuvia on tehty varhaisimmista ajoista lähtien, vasta varhaisrenessanssin aikana (1400-luvun puolivälissä) taiteilijat voidaan usein tunnistaa kuvaavan itseään joko pääaiheena tai tärkeinä henkilöinä työssään. Kautta historian omakuvaus on pysynyt taiteilijoiden välisenä kokeiluna ja totta käytäntönä. Historiallisesti itse asiassa taiteilijat käyttivät omakuvia eräänlaisena käyntikorttina, mikä todistaa heidän kyvystään vangita kaltaisia ​​ja antaa käsityksen heidän kyvyistään. Mutta omakuva voi herättää ja paljastaa paljon enemmän, kun se viedään suoran harjoituksen rajojen ulkopuolelle”, Singh sanoo.

Vuosikymmenten aikana taiteilijoiden itsensä tutkimisen markkinat ovat vain kiihtyneet. Vuoden 1632 omakuva Rembrandtilta myytiin 18,7 miljoonalla dollarilla Sotheby’sin huutokaupassa vuonna 2020. Kahlon ikoninen teos Diego Y Yo (1949) toisessa huutokaupassa asetti ennätyshinnan meksikolaiselle taiteilijalle, jonka maine hänen elinaikanaan oli kääpiöhintainen. miehensä Diego Riveran suosio. Mutta Kahlon omakuvat ovat saavuttaneet parempia arvoja kuin hänen miehensä teokset. Yksi Kahlon omakuvista, joissa Diego oli maalattu otsaansa, maksoi 34,9 miljoonaa dollaria Sothebyn huutokaupassa vuonna 2021.

Nykyään Kahlo on suositumpi kuin miehensä, jonka kanssa hän jakoi monimutkaisen avioelämän Diegon uskottomuuden vuoksi. Se oli vaikutusvaltainen itävaltalainen ajattelija, Sigmund Freud (Lucian Freudin isoisä) – psykoanalyysin perustaja – joka oli tilannut pariskunnan maalaamaan muotokuvia itsestään, joista monet ovat yksityisissä kokoelmissa. Deigon The Ravages of Time (1949) ja The Firestone Self-Muotokuva (1941) ovat parhaita esimerkkejä hänen kokeiluistaan ​​omakuvien parissa.

Omakuvataide on kukoistanut lännessä monien lähteneiden eurooppalaisten ja amerikkalaisten taiteilijoiden kanssa, kuten Rembrandt (yli 100 omakuvaa), Picasso (jonka viimeinen maalaus oli omakuva), Egon Schiele (suosittu omakuvasarjastaan) -muotokuvat), Max Oppenheimer (tunnetaan parhaiten omakuvastaan ​​nimeltä Selbstbildmis) ja muut muotokuvan alakategoriaa kokeilleet. Jotkut taiteilijat, kuten Vincent van Gogh, jättivät jälkeensä 30 paritonta omakuvaa, koska ei ollut rahaa mallien palkkaamiseen. Muita merkittäviä omakuvateoksia ovat Rembrandtin omakuva kahdella ympyrällä (1665-69), italialaisen barokkitaiteilijan Artemisia Gentileschin omakuva maalauksen allegoriana (1638-39) 1600-luvun teos.

Britanniassa Francis Bacon ja Lucian Freud tunnetaan siitä, että he ovat vieneet muotokuvan genren (mukaan lukien omakuvat) uudelle tasolle kokeilullaan ja Baconin tapauksessa törkeän erikoisella ilmaisullaan. Freud, joka maalasi muotokuvan kuningatar Elisabetista (josta kuningatar ei pitänyt kovinkaan paljon), tunnetaan ainutlaatuisesta tyylistään, joka on erotettu taiteen realistisen vetovoiman tavoittelusta ja on taipuvainen rohkeisiin siveltimenvetoihin kohteiden kasvoissa, mikä on ominaista hänen muotokuvateokseensa, josta hänet tunnetaan parhaiten. Luultavasti hänen paras omakuvansa on hänen vuoden 1985 työnsä nimeltä Reflection. Taiteilija kuoli keskeneräisen työnsä ollessa vielä märkä kankaalle.

Frank Auerbach maalasi ensimmäisen omakuvasarjansa 90-luvulla, ja hänen töitään arvostettiin niin paljon, että taidekriitikko kutsui häntä ”2000-luvun Rembrandtiksi”. Freud, jonka paras omakuva on kiistatta Omakuva (2002), on kuuluisa sanonnasta: ”En halua jäädä eläkkeelle. Haluan maalata itseni kuoliaaksi.” Omakuvat ovat olleet useiden taiteilijoiden ammatinharjoituksia. Ja heidän teoksensa heijastavat yksinäisyyteen ja väsymykseen taipuvaa mielentilaa.

Peileillä on ollut tärkeä rooli omakuvataiteen kehityksessä. Varhaisimmat tunnetut esimerkit obsidiaanipeileistä keksittiin noin vuonna 6200 eKr. nykypäivän Turkissa. Taide kukoisti Länsi-Euroopassa vasta sen jälkeen, kun venetsialaiset viimeistelivät litteiden, kalvotaustaisten peilien valmistuksen. Renessanssin aikana muotokuvataide lähti nousuun, kun taiteilijat, kuten Vasari ja muut, tekivät merkittäviä frontaalisia, naturalistisia maalauksia itsestään aiheina. Mutta vasta 1600-luvun lopulla omakuvista tuli vakiintunut taidemuoto, jota useat mestarit kokeilivat. Hollantilainen taiteilija Jan van Eyke, joka on tunnustettu öljymaalin keksimisestä, joka avasi taiteilijoille uusia väyliä ilmaisuun ja tekniikoihin, kun valosta, tekstuurista ja yksityiskohdista tuli töitä.

Muodosta riippumatta peili on taiteilijoille keskeinen työkalu itsensä maalaamiseen, tärkeä lähtökohta opetettaessa kuvaamaan muita piirteitä ja hahmoja. Peilit ovat osoittautuneet erityisen hyödyllisiksi taiteilijoille, joilla ei ole ollut varaa tai saada malleihin pääsyä, kuten naistaiteilijoille, jotka eivät saa osallistua perinteisiin taideakatemioihin. Jopa aristokraattiset taiteilijat, kuten ranskalainen postimpressionistinen taiteilija Henri de Toulouse-Lautrec, joka maalasi kohtauksia ranskalaisista kahviloista, tansseista ja Moulin Rougen kabareesta, on varsin suosittu omakuva peilin edessä.

”Humanismin ilmaantuessa ja taiteilijan ammatin kunnioittamisen noustessa varhaisen modernin aikakauden aikana omakuvista tuli myös tärkeitä taiteilijoiden identiteettiä ja arvovaltaa ilmaisevia tunnusmerkkejä. Varhaiset taiteilijat näyttivät harvoin peiliä käytössä, ja he mieluummin joko pyyhkivät pois tai vihjasivat sen läsnäolosta kuvaamalla itseään aseteltuina kuten mikä tahansa muu istuja tai katsojaa katsomassa. Mutta ne, jotka ottivat sen mukaan, saattoivat vetää katsojan syvemmille kysymyksiin teoksesta ja siitä, mitä tarkoittaa jonkun käänteisen kuvan katsominen. Maalattua heijastusta katsomalla muistutamme maalarin taiteellisuudesta, perspektiivistä ja voimasta muokata näkemäämme”, sanoo Singh Christie’s Indiasta.

Hieno esimerkki peiliomakuvasta on Freudin vuoden 1965 ylistetty teos nimeltä Reflection with Two Children. Tämä maalaus esittää taiteilijan jyrkän heijastuksen melko levoton ilmeellä kehyksen alaosassa olevien kahden lapsen (luultavasti omansa) iloisia muotokuvia vastaan.